Kommentierte Filmografie (Auswahl),
Vorlesung am 13.6.2012
Erst im Jahre 1980 kehrt Jean-Luc Godard mit RETTE SICH WER KANN (DAS LEBEN) (1979) ins Kino zurück. Der Film spielt mit sich kreuzenden und verlierenden Lebensfäden von Menschen auf der Suche nach dem Leben und dem, was nach dem Zusammenbruch der politischen Utopien der 1968er Glück sein kann. In den folgenden Filmen PASSION (1982), VORNAME CARMEN (1983) und MARIA UND JOSEPH (1985) setzt sich der Filmemacher mit alten Mythen bürgerlicher Kultur auseinander: der Passion künstlerischer Arbeit als Vorbild besserer gesellschaftlicher Praxis, der wahnsinnigen und zerstörerischen Liebe einer Carmen, sowie mit dem katholischen Mythos unbefleckter Empfängnis. Bewusst inszeniert er hier Impressionen der Schönheit – aber er versieht sie mit Skepsis. In VORNAME CARMEN (1983) tritt er selbst als wahnsinnig gewordener Regisseur auf, dem die Welt in ein Puzzle zerfällt, das er nicht wieder zusammen zu setzen vermag.
Im Jahre 1990 dreht Jean-Luc Godard den Film NOUVELLE VAGUE (1990), der ausschließlich aus Zitaten und Anspielungen besteht. Geräusche und Bilder, Musik und narrative Fragmente werden zum Material eines Films. Virtuos spielt das Werk mit Metamorphosen und Identitäten und bezieht sich ironisch auf die Filmbewegung, der er den Titel entlehnt. Nach dem Fall der Mauer realisiert der Regisseur den Film DEUTSCHLAND NEU(N) NULL (1991), der wiederum fragmentarisch ein weiteres Ende kommentiert: das des Sozialismus. Gleichzeitig ist der Film eine Hommage an deutsche Philosophie, Musik und Literatur. Im Jahre 1998 erscheint HISTOIRE(S) DU CINEMA (1998), an dem der Regisseur fast zehn Jahre gearbeitet hatte. Er läßt mit dem Film das Jahrhundert des Kino Revue passieren und verknüpft dessen Geschichte eng mit der Geschichte überhaupt, sei dies nun die politische oder auch die kulturelle, die Kunstgeschichte. Seine letzten Arbeiten wie ELOGE D’AMOUR (2001) oder NOTRE MUSIQUE (2004) sind erneut radikale Infragestellungen des Kinos, kommen aber bei uns in Deutschland schon lange nicht mehr in dasselbe. Lediglich auf Filmfestivals sind seine jüngsten Filme regelmäßig zu sehen.
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1980: Rette sich, wer kann (… das Leben)
(Sauve qui peut (la vie))
Rette sich, wer kann (Das Leben) ist ein Film von Jean-Luc Godard. Er wurde erstmals an den Filmfestspielen von Cannes im Mai 1980 aufgeführt und kam 1981 in die deutschen Kinos. Der Film erzählt die ineinander verstrickten Geschichten dreier Protagonisten, die jeweils auf ihre eigene Weise ihr Leben zu ändern versuchen. Die Fernsehschaffende Denise (Nathalie Baye) trennt sich von ihrem Freund Paul, gibt ihren Job auf und will ihre Stadt-Wohnung loswerden, um auf einem Bauernhof zu arbeiten und einen Roman zu schreiben. Der von ihr verlassene Paul (Jacques Dutronc), selbst Filmemacher von Beruf, befindet sich in einer Lebenskrise. In seiner allgemeinen Verunsicherung kann er sich nicht entscheiden, ob auch er seinen Job aufgeben und abhauen soll, oder ob er bleiben und die Wohnung seiner Ex übernehmen soll. Die Prostituierte Isabelle (Isabelle Huppert) schliesslich hat es satt, ständig von Zuhältern verdroschen und um die Hälfte ihrer Einnahmen gebracht zu werden – sie zieht schliesslich in die Wohnung, die Denise geräumt hat.
Mit Rette sich, wer kann (Das Leben) meldete sich Godard nach über zehn Jahren, in denen er sich vorwiegend mit experimentellen Videofilmen beschäftigt hatte, mit einem Kinospielfilm zurück. Rette sich, wer kann (Das Leben) verweigert jede konventionelle Erzählstruktur, er wird vielmehr durch assoziative Bilder und Momentaufnahmen aus dem Leben der drei Protagonisten geprägt, deren Ganzes kein eindeutiges Bild ergibt.
1980 Rette sich … – Gespräch mit Antoine de Baecque
1980 Rette sich … – Gespräch mit Isabelle Huppert
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1982: Passion
Passion is a 1982 film by Jean-Luc Godard, and the second feature film made during his return to relatively mainstream filmmaking in the 1980s, sometimes referred to as the Second Wave. As with all films Godard made during this period, the „mainstream“ refers more to their budget, casting and distribution than to their content, which builds on the radical aesthetic of his post-New Wave forays into video and essay filmmaking.
The film marks Godard’s reunion with cinematographer Raoul Coutard, his most famous collaborator during the New Wave era; the last time they had worked together was on Week End (1967), which is usually considered the end of the New Wave. Like most of Godard’s work from this period, the film is shot in color with a 1.37 aspect ratio. Coutard won the Technical Grand Prize for cinematography at the 1982 Cannes Film Festival.
1982 Passion – Einführung von Colin MacCabe
Passion – Szene Rembrandt
Passion – Szene Goya
Passion – Szene Tag und Nacht
Passion – Kamerafahrt
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1983: Vorname Carmen (Prénom Carmen)
Vorname Carmen (Prénom Carmen) ist ein französischer Spielfilm von Jean-Luc Godard aus dem Jahr 1983. Darin ist die Niederländerin Maruschka Detmers in ihrer ersten Kinorolle zu sehen. Godards Film unterscheidet sich deutlich von den anderen beiden Carmen-Filmen der gleichen Saison, Carmen von Carlos Saura und Carmen von Francesco Rosi. An die Handlung des bekannten Carmen-Stoffs lehnt sich der Film nur lose an. Die Carmen-Musik von Georges Bizet ist im Film lediglich ein paar Sekunden lang zu hören; Godard hat den Film um Streichquartette von Beethoven konstruiert.
Ein Banküberfall, ein Entführungsversuch, ein alternder Regisseur, der wieder ins Geschäft kommen will, Musiker, die Beethovens Streichquartette proben, dazu einige Zitate aus „Carmen“. Indem Godard mit Bild, Ton und Musik experimentiert sowie narrative Elemente mit nicht-narrativen verbindet, erforscht er die Möglichkeiten des Mediums und erweist die Beschränktheit des traditionellen Erzählkinos a la Hollywood. Tiefsinn und Burleske, Ruhe und Action, optische und akustische Eindrücke: Gegensätzliches ist in einer außerordentlich kunstvollen Komposition, die eine Vielzahl von Deutungsansätzen herausfordert, gebändigt.
1983 Prénom Carmen – Einführung von Colin MacCabe
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1984: Maria und Joseph
Bereits über ein Vierteljahrhundert war Jean-Luc Godard als Filmemacher tätig, als er Maria und Joseph schuf. Er hatte in den 1960er Jahren filmische Konventionen angegriffen und die Filmsprache revolutioniert; ab etwa 1967 vertrat er einen radikalen Marxismus. Nach einer Phase mit Experimentalfilmen in den 1970ern kehrte er 1980 zu Kinofilmen zurück. Anstelle soziologischer oder politischer Themen traten vorrangig ästhetische, die Malerei (in Passion) und die Musik (in Vorname Carmen). Obwohl Godard diese zwei Filme und Maria und Joseph nicht als Trilogie konzipiert hat, hat sie Marc Cersisuelo als „Trilogie des Sublimen“ bezeichnet, weil den Regisseur die Frage der Schönheit und ihrer Darstellung umtreibe.[56]
Maria und Joseph ist kein christlicher Film, noch weniger katholisch oder theologisch, doch ebenso wenig blasphemisch oder atheistisch. Godard behandelt das Dogma der Jungfrauengeburt, ohne darüber zu urteilen.[57] Er war als Protestant erzogen worden, bezeichnete sich aber als nicht praktizierend. Die Bibel sei ein großartiges Buch, das auf starke Weise von heutigen Ereignissen spreche. „Vielleicht brauchte ich eine Geschichte, die größer war als ich.“[15] Das Fehlen eines religionskritischen Ansatzes ließ Religionsskeptiker an Godard zweifeln.[58] Man war verwundert, dass ausgerechnet ein Bilderstürmer und filmsprachlicher Ketzer wie er sich diesen Stoff vorgenommen hatte.[59] Zum Teil entstand der Eindruck, er hätte den Marxismus gegen die Mystik und den Glauben ans Göttliche getauscht.[7][14] Die Proteste erzkatholischer Kreise können umso mehr erstaunen, als er mit einigen Aussagen des Professors kreationistische Positionen in den Hörsaal trägt.[7]
Mit Maria und Joseph setzt Godard seine Versuche fort, statt gefällige Filme herzustellen die Aufmerksamkeit seines Publikums auf die Filmherstellung und -sprache zu lenken. In diesem Sinne ist sein Werk ein aufklärerisches Projekt. Mit dem christlichen Mythos der Maria bot sich ihm ein neues Vehikel, künstlerischen Ausdruck zu ergründen und den Paradigmen der konventionellen Kultur zu entgehen.[60] Er ging der Frage nach, wie sich das jenseits des Materiellen Bestehende, nicht visuell Zeigbare durch das Medium Film darstellen lässt.[61] Dass der Film als eine Abkehr Godards von seinen Prinzipien missverstanden wurde, sei, räsonierte Kevin Moore, ein Beweis für seine ungebrochene Originalität und seine Fähigkeit, gewohnte Interpretationsmuster in Frage zu stellen.[4]
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1985: Detective
In einem Pariser Luxushotel trifft sich eine Gruppe unterschiedlicher Menschen: ein Pilot und seine Ehefrau, ein Boxmanager mit seinem Schützling, ein schwermütiger Hausdetektiv, ein italienischer Mafia-Boß. Ihre Schicksale berühren und überschneiden sich. Jean-Luc Godard entwickelt aus dieser Ausgangssituation ein vertracktes, amüsantes, mit erstaunlicher Leichtigkeit inszeniertes Gedankenspiel um Liebe, Geld und Tod – mit Anleihen beim „film noir“, gespickt mit literarischen Zitaten, streng durchkomponiert wie eine musikalische Fuge. Schwereloses Kino, das seine komödiantische Note aus der Unberechenbarkeit des wirklichen Lebens bezieht. Videotitel: „Investigation – Die totale Überwachung“
1985 Detective – Einführung von Colin MacCabe
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1986: Meetin‘ WA
is a 1986 short film by Jean-Luc Godard. In the film, he interviews his „old friend“ Woody Allen. Throughout the film there are cuts in the interviews featuring photographs and film clips from Woody Allen’s films. The two of them talk about movies, life, relationships to other directors and actors and Woody’s past. The segments of the interview are separated by title cards, black cards and white type, a Woody Allen trademark. It runs for 26 minutes.
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1986/87: Aria (Episodenfilm)
Aria ist ein britischer Episodenfilm aus dem Jahr 1987. Zehn namhafte Regisseure steuern in je einem Beitrag ihre filmische Umsetzung einer Opernarie bei.
Ein durch eine Rahmenhandlung zusammengefaßter Bilderbogen, in dem zehn namhafte Regisseure ihre jeweilige Lieblingsarie aus großen Opern verfilmen. Entstanden ist eine Folge schreiend bunter „Opern-Clips“, die nur in Ansätzen zu einer Auseinandersetzung mit der faszinierenden Künstlichkeit von Opern anregt.
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1987: King Lear
King Lear is a 1987 cinematic adaptation of the Shakespeare play of the same title, directed by Jean-Luc Godard. The script is primarily by Peter Sellars and Tom Luddy. The film’s plot, centred around a late descendant of Shakespeare attempting to restore his plays in a world rebuilding itself after the Chernobyl catastrophe obliterates most of human civilisation, is centred around a resort in Nyon, Vaud, Switzerland.
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1987: Schütze deine Rechte (Soigne ta droite)
Der Idiot eine Anspielung auf Dostojewski soll einen Film drehen. Das Problem ist, daß das Projekt nur negativ definiert werden kann. Es soll weder von Sex, Liebe und Gewalt noch von Politik, Wahrheit und Freiheit handeln. Der Idiot besteigt ein Flugzeug und kehrt mit dem fertigen Film, einer Collage von unzähligen möglichen Filmen, zurück. Eine meisterhafte Mixtur aus Ton, Bildern und Geschichten, die als vielschichtiger Diskurs über das Filmemachen, die Filmsprache und die Möglichkeiten filmischer Ausdrucksmittel angelegt ist; zugleich eine Hommage an das Kino früherer Zeiten als Ort des großen Erlebens. Ein Film, der zwar nur ein begrenztes Publikum anspricht, dieses jedoch durch seine Vielzahl von Geschichten faszinieren wird.
Soigne ta droite is a phrase from boxing – a trainer’s call to „keep your right up“. The immediate reference is to Jacques Tati’s first short film, Soigne ton gauche (Keep Your Left Up). But this is neither a comedy in the classical sense, nor a film about boxing. Godard describes it as „the camera versus landscapes over 17 rounds“. It may also be described as a film which does a two-way travel between sky and earth, between comic and experimental, between shadow and light. With humour and multiplying literary references and citations, Godard question himself on life and thus on death, within his kaleidoscope of images. This engaging film, which mixes genres, goes through the shadowy sky of the history of cinema a luminous way.
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1988: Kraft des Wortes (Puissance de la parole)
Schon in Vivre sa vie hatte Godard Edgar Allan Poes Erzählung „The Oval Portrait“ aus dem Off vorgelesen. Nun aktualisiert er dessen kosmologischen Dialog „The Power of Words“ von 1845. Bei Poe schwebten zwei Engel, Agathos und Oisos, durch ein bodenloses Jenseits zwischen den Sternen, vertieft ins Gespräch über die Unendlichkeit des Weltalls, die All- oder Ohnmacht eines Gottes, die Kraft der Worte und des Äthers. Godard bleibt Poes Wortlaut treu, aber er holt die Engel zurück auf die Erde. In seiner Montage müssen Agathos und Oisos als irdische, etwas altmodische Wesen neben einem Oldtimer stehen und diskutieren. Ihren Platz am Himmel haben moderne Satelliten übernommen, die von ihrer extraterrestrischen Umlaufbahn aus die Telefone miteinander ins Gespräch bringen.
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1990: Nouvelle Vague
Eine Großindustrielle macht einen Fremden zum Partner, der ihre Liebe aber nicht erwidert, läßt ihn bei einem Bootsausflug ertrinken und erlebt das Ganze noch einmal mit vertauschten Rollen und seinem Zwillingsbruder. Eine von einem mehr erahnbaren als tatsächlich gespielten Handlungsgerüst getragene Bild- und Toncollage, die Banalitäten und Zitate nicht ohne eine gewisse Selbstgefälligkeit zu einem intellektualisierten, filmischen „Kreuzworträtsel“ stilisiert; in dem schier unerschöpflichen philosophischen Hintergrund finden sich zwar schwer faßbare, dennoch für ein aufmerksames Publikum faszinierende Reflexionen über die Liebe, das Licht, die Natur, menschliche Wirklichkeit und die immerwährende Erneuerung von dem, was ist.
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1991: Deutschland Neu(n) Null (Allemagne année 90 neuf zéro)
Jean-Luc Godard reflektiert über Deutschland: Zum Zeitpunkt der Wiedervereinigung wird Geheimagent Lemmy Caution – in den 60er Jahren Held zahlreicher trivialer Krimis und Hauptfigur des Godard-Films „Alphaville“ 1965 – reaktiviert. In den vergangenen Jahrzehnten lebte er als Spion auf Abruf in Ostdeutschland, nun kommentiert er während einer Reise von Ost nach West seine subjektiven Erinnerungen an die deutsche Kultur. Godard jongliert mit Assoziationen und Zitaten, die sich zu einem eigenwilligen Beziehungsgeflecht verdichten. Der Filmtitel ist doppeldeutig: Deutschland im Jahr 90 oder ein neues Deutschland im Jahre Null.
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1993: Weh mir (Hélas pour moi)
Ein Mann will am Genfer See einem Paar seine Geschichte abkaufen, die davon handelt, daß die Frau überzeugt ist, daß ihr in der Gestalt ihres Mannes jemand anders, möglicherweise ein Gott, erschienen ist. Diese „Handlung“ ist nur der vage Aufhänger für eine multiperspektivische Bild- und Toncollage, mit der sich Godard auf die Suche nach Figuren und Handlungselementen begibt. Ein „Sinn“ wird nicht durch lineare Erzählmuster repräsentiert, sondern blitzt vielmehr „zwischen den Bildern“, in den Lücken und Spalten auf. Ein hermetisches Werk, das sich allen Kinokonventionen widersetzt, wobei seine betonte Offenheit oft auch die Gefahr der Beliebigkeit beinhaltet.
…
Alles ist wie gewohnt. Der Ort, an dem die Geschichte spielt, ist das Städtchen Rolle am Nordwestufer des Genfer Sees, wohin sich Jean-Luc Godard aus der Welt der schmutzigen und korrupten Kinobilder geflüchtet hat, die männliche Hauptrolle spielt ein Star, diesmal Depardieu, und die weibliche Hauptrolle eine schöne unentdeckte Frau. Aber die eigentliche Hauptfigur ist der See, sein Glitzern und Blinken, sein Wellenrauschen und sein unendliches Blau, das Blau des Wassers, in das fast alle großen Godard-Filme münden, von der „Verachtung“ über „Pierrot le Fou“ bis „Nouvelle Vague“. Und natürlich ist „Weh mir“ kein plot movie, sondern wieder ein „VORSCHLAG FÜR EINEN FILM“, ein Hin und Her von Worten und Bildern, Gesten und Geräuschen, ein ozeanisches Spiel, in dem sich die eine Welle in der anderen bricht, der Mythos von Amphitryon in den Texten der christlichen Denker, die Liebesgeschichte in Erinnerungen an Krieg und Tod, die Aura des Gottes im Bauerngesicht von Gérard Depardieu.
„Wird nicht die Stimme unserer Freunde bisweilen vom Echo der Stimmen derer heimgesucht, die vor uns auf der Erde waren? Und die Schönheit der Frauen eines anderen Zeitalters – ähnelt sie nicht der unserer Freundinnen? Täglich müssen wir uns bewußt werden, daß die Vergangenheit nach Erlösung verlangt. Es gibt geheimnisvolle Begegnungen zwischen den verstorbenen Generationen und derjenigen, der wir selbst angehören. Wir wurden auf der Erde erwartet.“ So spricht der Film. Und manchmal, wenn Godards Kamera ihn anschaut, wirkt Depardieu nicht mehr wie ein Star, und manchmal, wenn die Erzählung auf den See hinausblickt oder in die Weinberge oder ins Gesicht von Laurence Masliah, wirkt auch der Film nicht mehr wie ein angestrengter Essay, sondern wie ein wundervolles, göttliches Fragment.
aus
zeit-online, 3.2.1995
www.zeit.de/Spiel_der_Wellen
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1993: Je vous salue Sarajevo
Eine Fotografie aus dem Jugoslawienkrieg – zwei bedeutsame Minuten gegen das Vergessen.
“In a sense, fear is the daughter of God, redeemed on Good Friday night. She’s not beautiful, mocked, cursed and disowned by all. But don’t get it wrong: she watches over all mortal agony, she intercedes for mankind.
For there’s a rule and an exception. Culture is the rule, and art is the exception. Everybody speaks the rule: cigarette, computer, t-shirt, television, tourism, war.
Nobody speaks the exception. It isn’t spoken, it’s written: Flaubert, Dostoyevsky. It’s composed: Gershwin, Mozart. It’s painted: Cezanne, Vermeer. It’s filmed: Antonioni, Vigo. Or it’s lived, and then it’s the art of living: Srebenica, Mostar, Sarajevo.
The rule is to want the death of the exception. So the rule for Cultural Europe is to organize the death of the art of living, which still flourishes.
When it’s time to close the book, I’ll have no regrets.
I’ve seen so many people live so badly, and so many die so well.”
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1995: Godard über Godard (Godard par Godard)
Das Video-Selbstporträt des französischen Regisseurs Jean-Luc Godard, der das Medium nutzt, um seinen künstlerischen Standort zu lokalisieren. Der Film arbeitet die bekannten Themen Godards ab und zeigt den Exzentriker zwischen Selbstreflexion und Selbstbespiegelung, wobei der philosophische Diskurs durchaus nicht ausgeschlossen ist.
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1996: Forever Mozart
Vier Filme, die nicht notwendigerweise ein Ganzes ergeben, so wie vier Wände nicht unbedingt ein Haus ausmachen: Theater, Man spielt nicht mit der Liebe in Sarajevo, Ein Film über Un-Ruhe, For Ever Mozart. Der Faden, der diese Filme verbindet, ist der Regisseur, ein Mensch, der Anstrengungen unternimmt, der manipuliert und ausgebeutet wird. Der Krieg – das Theater des Kriegführens – folgt dem Theater. Und das Kino folgt dem Krieg. In beiden werden die Akteure bezahlt, und sie werden sich loskaufen müssen. Die Musik wird bleiben, aber man muß immer noch wissen, wie man die Seiten der Partitur umblättert, wie man der Zeit ein Schnippchen schlägt. (Jean-Luc Godard) / Godards Meditation über den Krieg in Bosnien etabliert zunächst drei Charaktere, die eine aussichtslose Reise in das Kriegsgebiet unternehmen. Camille ist eine Intellektuelle, Professorin für Philosophie und Enkeltochter von Albert Camus; ihr Ehemann Jerome ist offensichtlich ein erfolgreicher Geschäftsmann (er liest Finanzzeitungen und macht sich Sorgen um den Kurs des Franc); ihr Dienstmädchen Dzamila ist vermutlich – Godard macht nichts deutlich – eine bosnische Muslime. Im zweiten Teil reflektiert Godard wieder über den Prozeß des Filmemachens. Ein Regisseur und ein Autor, beide bezeichnenderweise schlaffe alte Männer und keine jungen Cinéasten, arbeiten an einem Film mit dem Titel „The Fatal Bolero”.
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1998-1998: Geschichte(n) des Kinos (Histoire(s) du cinéma)
Between 1988 and 1998 he produced perhaps the most important work of his career in the multi-part series Histoire(s) du cinéma, a monumental project which combined all the innovations of his video work with a passionate engagement in the issues of twentieth-century history and the history of film itself.
Wie die Geschichte des Kinos denken? Wie Filmgeschichte(n) schreiben? Was ist Kino, was will es, was kann es? Kein anderer Filmemacher der Moderne hat sich mit diesen Fragen so unab-lässig und intensiv beschäftigt wie Jean-Luc Godard – ausgehend von der Überzeugung, dass „eine wahre Geschichte des Kinos“ nicht zu schreiben, sondern nur vom Kino selbst zu erzählen sei, mit Bildern und Tönen, seinen ureigensten Mitteln, in Gestalt von Filmen. Durch seine filmischen Interventionen hat Godard nicht nur das Gesicht des Kinos verändert, sondern – indem er sich für das kinematografische Unbewusste interessierte – dem Kino auch ein Bewusstsein seiner selbst gegeben, das für den Übergang in die Bild- und Medienkultur des 21. Jahrhunderts unerlässlich war.
Das Werk ist in vier Kapitel unterteilt, die jeweils aus zwei Teilen bestehen. … ein Essay über den Film mit den Mitteln des Films. Eine Geschichte des Films und eine Geschichte, die mit Hilfe des Films interpretiert wird. Eine Hommage und eine Kritik. Eine anekdotische Autobiografie, der Godards enzyklopädisches Wissen Glanz verleiht und die das sprachliche Idiom, das er etabliert hat, mit Hilfe von Jean-Luc Godard erweitert. Ein episches – und nicht-lineares – Gedicht. Eine freie assoziative Abhandlung. Eine ausgedehnte, vielschichtige musikalische Komposition.
Für den amerikanischen Filmkritiker Jonathan Rosenbaum stellt Godards Video-Reihe den Höhepunkt des Filmschaffens im 20. Jahrhundert dar: ›Genau wie ›Finnegans Wake‹, jenes Kunstwerk, mit dem ›Histoire(s) du cinéma‹ wohl noch am ehesten zu vergleichen ist, sich auf einer theoretischen Stufe jenseits der Grenzen der englischen Sprache, wie wir sie kennen, befindet, projiziert sich Godards Magnum Opus in ähnlicher Weise in die Zukunft, um zu fragen: Was war Film?‹
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2001: Eloge de l’amour
Jean-Luc Godard widmet sich einmal mehr der Liebe, doch der Rück-Blick ist diesmal wesentlich milder ausgefallen. Im ersten Teil, in Schwarz-weiß gedreht, erzählt Godard anhand dreier Paare unterschiedlichen Lebensalters Jugend, Erwachsensein und Alter von Schlüsselerlebnissen der Liebe: der ersten Begegnung, der körperlichen Anziehung, der Trennung, der Versöhnung. Der zweite Teil, amateurhaft mit grellen Farben auf Video gedreht, stellt die Geschichte der Resistance den individuellen Geschichten entgegen. So verdichtet sich der Film zur Reflexion über Liebe, Alter, Tod, Kino und Kunst. Ästhetisch knüpft Godard an frühere Arbeiten an, nutzt Schwarzblenden zur Akzentuierung und Zwischentitel zur thematischen Zuordnung; mitunter klaffen Bild und Ton auseinander, Standbilder frieren die Einstellungen fest. Ein hochspannender Film, der sich über einen individuellen Zugang erarbeitet werden muss.
This film is notable for its use of both film and video – the first half captured in 35 mm black and white, the latter half shot in color on DV – and subsequently transferred to film for editing. The blending of film and video recalls the statement from Sauve Qui Peut, in which the tension between film and video evokes the struggle between Cain and Abel. Eloge de l’Amour is rich with themes of aging, love, separation, and rediscovery as we follow the young artist Edgar contemplating a new work on the four stages of love (should it be an opera? a film?). He meets up with a lost love who is terminally ill, and at her death we are thrust into the second half of the film where Edgar meets with her at her grandparent’s house two years before. Producers for Steven Spielberg are negotiating the purchase of her grandparent’s World War II story; the young woman attempts to stall the deal. This is one of Godard’s most tender films, yet it is characteristically enigmatic and demands the viewer’s full attention.
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2002: Dans le noir du temps (Episode des Films Ten Minutes Older: The Cello)
Episodenfilm von acht namhaften Regisseuren über das Thema Zeit, zusammengefasst zu einer Art Fortsetzung von „Ten Minutes Older – The Trumpet“, mit dem er zeitgleich entstanden ist. Die Themen reichen vom Totschlag über Sozialkritik, Philosophie-Lektionen bis zu filmischen Lebensbildern, formal von klassischen Kurzspielfilmen bis teils herausragenden Experimentalfilmen. Zwischen den einzelnen Episoden beobachtet ein neunter Kurzfilm die Farb- und Formveränderungen von Wasser als eine Art Metapher für den Fluss der Zeit und der Gedanken.
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2004: Notre musique
Dreiteilige Meditation über den Krieg, die Bilder des Krieges und die Präsenz des Krieges in Zeiten scheinbaren Friedens, wobei Jean-Luc Godard einmal mehr den Versuch unternimmt, die Grenze zwischen dem Fiktiven und dem Dokumentarischen aufzuheben. Der Hauptteil des Films spielt in Sarajewo, wo eine junge Frau die Möglichkeit nach Versöhnung repräsentiert sieht; andererseits sieht man allerorten die Spuren von Zerstörung und Barbarei. Das intellektuell hochstehende Filmessay hinterfragt den ikonografischen Gehalt der Bilder und nimmt dabei eine äußerst skeptische Grundhaltung ein.
…
Dieser Bilderstrom am Anfang von „Notre Musique“ sieht ähnlich aus wie in seinen essayistischen „Histoires de cinéma“, die Godard seit den späten 80ern in Portionen herstellt, und er gibt Ähnliches zu denken. Und ist doch etwas ganz Bestimmtes im Zusammenhang dieses neuen Filmes, nämlich die Hölle. „Erstes Königreich – Die Hölle“ heißen mit Dante die ersten zehn Minuten des Spielfilms, der uns nun über eine Stunde ins Fegefeuer führen wird, bevor wir ganz am Schluss noch ein paar Blicke aufs Paradies werfen können. Das ist übrigens ein unspektakuläres Teichufer, das von amerikanischen Soldaten bewacht wird. Man spielt dort Volleyball und liest Krimis, deren Titel auf Deutsch „Ohne Hoffnung auf Wiederkehr“ lauten würden.
aus taz, Diedrich Diedrichsen, 01.12.2005
www.taz.de/1/archiv
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2010: Film socialisme
Godards dreiteiliges multilinguales Filmessay spannt mit einer assoziativen Bilderflut und den Kapiteln „Things such as“ eine Schifffahrt durchs Mittelmeer, „Quo Vadis Europa“ zwei Kinder setzen die Reise übers Land fort und suchen Erklärungen und „Nos Humanites“ historische Plätze in Ägypten, Palästina, Odessa, Griechenland, Neapel und Barcelona ein Netz aus Chiffren, Bedeutungen und Querverweisen. Bilder und Musik stellen ein dichtes Assoziationsfeld aus politischen, philosophischen, literarischen und kinematografischen Bezugspunkten her und sprengen einen kaum zu überblickenden intellektuellen Steinbruch frei. Ein faszinierender Film als Aufforderung zum Denkexperiment, bei dem die offene Gestalt und die von Widersprüchen aufgeladenen Reflexionen dazu auffordern, den vorgefundenen Widersprüchen nachzugehen.
…
Godard hebt Erinnerungssplitter an die Unterlegenen der Geschichte hervor. Und setzte sich mit dieser Haltung wiederholt Vorwürfen aus, er zeige Palästina einseitig als Opfer Israels. Godard als Antisemiten zu bezeichnen, ist fahrlässig. Film Socialisme zielt, wenn man überhaupt versuchen will, seine Assoziationsfülle zu einer Argumentation zu begradigen, auf die Tragik der Verlierer, auf die Unmöglichkeit, in dieser Welt zu Liebe, Selbstliebe und Nächstenliebe zu finden – es ist ein Trauergesang, der in einer eingeflochtenen „häuslichen Szene“ im Film entfaltet wird.
Aus dem rätselhaften, schier überfordernden Essay schält sich am Ende ein politisch-moralischer Aufruf des zornigen alten Mannes Godard: Dem Reißwolf von Kapital und Politik, alten Medien und neuen digitalen gilt es, die Splitter und Reste der europäischen Kultur zu entziehen. Film Socialisme versucht das wütend, verheddert sich, aber lässt das Mit- und Nebeneinander gleichwertig gelten – insofern ist die Arbeit ein Versuch, den „Sozialismus“ wenigstens in Bildern/Geschichten aus dem Schutthaufen der Geschichte hervor zu ziehen. Die Revolution muss neu gedacht werden, meint Jean-Luc Godard, denn: „Wenn das Gesetz nicht gerecht ist, hat die Gerechtigkeit Vorrang vor dem Gesetz.“
aus zeit-online, 28.09.2011
zeit.de/kultur/film-socialisme
1 Film socialisme Trailer
2 Film socialisme Trailer
3 Film socialisme Trailer
4 Film socialisme Trailer
5 Film socialisme Trailer
6 Film socialisme Trailer
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2012: Adieu au Langage
Godard 2010 zu seinem neuen Projekt: „Es ist über einen Mann und eine Frau, die nicht mehr länger die selbe Sprache sprechen. Der Hund, den sie auf Spaziergänge mitnehmen, greift dann ein und spricht. Wie ich es machen werden, weiß ich noch nicht. Der Rest ist leicht.”
Adieu au langage ist ein experimenteller Film des legendären französischen Regisseurs Jean-Luc Godard (Außer Atem), den er in 3D gedreht hat. Darin treffen eine verheiratete Frau und ein lediger Mann aufeinander. Sie lieben sich, fangen aber an zu streiten und es kommt zur Eskalation. Ein Hund wandert zwischen Stadt und Land hin und her. Er findet sich zwischen ihnen wieder. Der frühere Ehemann zerstört alles. Ein zweiter Film beginnt. Es passiert genau dasselbe wie im ersten, und doch ist es nicht derselbe Film. Statt des Menschen steht die Metapher im Mittelpunkt. Das Ganze endet mit einem Bellen und einem schreienden Säugling. In der Zwischenzeit werden wir Menschen über den Untergang des Dollars, über die Wahrheit in der Mathematik und über den Tod eines Rotkehlchens reden haben hören.
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2013: 3x3D
Ein Film-Tryptichon dreier herausragender Inspirationsgeber des europäischen Kinos: Jean-Luc Godard, Peter Greenaway und Edgar Pêra setzen sich hier mit der Geschichte, Ästhetik und Technologie von 3D auseinander und deren Wirkung auf die Zuschauer. Dabei experimentieren sie selbst auf höchst unterschiedliche Weise mit diesem Verfahren, das mittlerweile unsere Leinwände dominiert. Zentrierender Knotenpunkt der drei Episoden ist die portugiesische Stadt Guimarães, die im letzten Jahr Kulturhauptstadt Europas war. 3X3D ist ein höchst inspirierendes Omnibusprojekt. Eine intellektuelle und visuelle Herausforderung im besten Sinne.
In the two-thousand-year-old city of Guimaraes, three renowned directors, Jean-Luc Godard, Peter Greenaway, and Edgar Pêra, explore 3D and its evolution in the world of cinema. How does 3D affect the audience and their perception? Peter Greenaway employs double explosure and superimposition in Just in Time, Edgar Pêra playfully questions notions of the new cinema spectator in Cinesapiens, while Jean-Luc Godard sketches a 3D history of cinema in Les 3 désastres.
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Jean-Luc Godard / Filmography 1979–present
Second Wave (1979–1988)
Feature films
1979 Sauve qui peut (la vie) (Save (Your Life) Who’s Able / Run for (Your Life) If You Can)
1982 Passion
1983 Prénom Carmen (First Name: Carmen)
1985 Je vous salue, Marie (I Salute Thee, Marie / Hail Mary)
1985 Détective (Detective)
1987 King Lear
1987 Soigne ta droite, une place sur la terre (Keep Your Right Up: A Place on the Earth)
Short films/videos
1979 Quelques remarques sur la réalisation et la production du film ‚Sauve qui peut (la vie)‘ (A Few Remarks on the Direction and Production of the Film Sauve qui peut (la vie))
1982 Lettre à Freddy Buache à propos d’un court-métrage sur la ville de Lausanne (Letter to Freddy Buache Regarding a Short Work About the Town of Lausanne)
1982 Changer d’image (To Alter the Image)
from Le Changement a plus d’un titre (Change Has More Than One Title)
1982 Scénario du film Passion
1983 Petites notes à propos du film Je vous salue, Marie (Small Notes Regarding the Film Je vous salue, Marie)
1986 Grandeur et décadence d’un petit commerce de cinéma (Grandeur and Decadence of a Small Movie Concern)
1986 Soft and Hard
1986 Meetin‘ WA
1987 „Armide“ from Aria
1988 Closed Jeans: Marithé François Girbaud, série 1, 1-10 (Closed Jeans: Marithé François Girbaud: Series 1: 1-10)
1988 Closed: Marithé et François Girbaud, série 2, 1-7 (Closed: Marithé and François Girbaud: Series 2: 1-7)
1988 On s’est tous défilé (We All Filed Past / We All Stole Away / We All Took Cover / We’ve All Undone Ourselves)
1988 La Puissance de la parole (The Power of Speech)
1988 „Le Dernier mot/Les Français entendus par…“ (The Last Word/The French as Understood by…)
from Les Français vus par… (The French as Seen by…)
1989–present: all works
1989 Le Rapport Darty (The Darty Report / The Darty Connection)
1990 Marithé François Girbaud: Métamorphojean
1990 Nouvelle Vague (film) (New Wave)
1991 Allemagne année 90 neuf zéro (Germany Year 90 Nine Zero)
1993 Les Enfants jouent à la Russie (The Kids Play Russian)
1993 Hélas pour moi (Alas for Me / Oh Woe Is Me)
1993 Je vous salue Sarajevo (I Salute Thee Sarajevo / Hail Sarajevo)
1994 JLG/JLG, autoportrait de décembre (JLG/JLG: Self-Portrait in December)
1995 2 x 50 ans de cinéma français (2 x 50 French Cinema Years)
1996 For Ever Mozart
1998 Histoire(s) du cinéma (History(s) of the Cinema) — 1988–1998
1999 Small Notes Regarding the Arts at Fall of 20th Century: The Old Place (with Anne-Marie Miéville)
2000 De l’origine du XXIe siècle pour moi (Of the Origin of the XXIst Century for Me)
2001 Eloge de l’amour (Elegy for Love / Ode to Love) — a.k.a. In Praise of Love
2002 Liberté et patrie (Freedom and Fatherland) (with Anne-Marie Miéville)
2004 Notre musique (Our Music)
2004 Moments Choisis (A collage taken by Godard from Histoire(s) du Cinema)
2006 Vrai faux passeport (True False Passport)
2006 Prière pour refuzniks (1) (Prayer for Refuseniks (1))
2006 Prière pour refuzniks (2) (Prayer for Refuseniks (2))
2010 Film Socialisme (Socialism)
2010 Tribute to Eric Rohmer (short)
2012 Adieu au Langage (Farewell to Language)
2013 3x3D (Jean-Luc Godard, Peter Greenaway, and Edgar Pêra)
2014 Les Ponts de Sarajevo
Quelle:
unifrance.org/jean-luc-godard